31.7.17

En Vivo: Sleep - Live @ Hellfest 2013

Una banda que no necesita introducción. Denle un merecido masaje auditivo a sus oídos con el poder doom metaloso de Sleep en vivo. 


20.6.17

Música Nueva: Que estamos escuchando en 2017?

Llegamos a medio 2017 y aquí un poco de los mejores discos que han aparecido en estos primeros seis meses. Empaláguense con estas recomendaciones. Recuerde comer frutas y verduras. 




Girlpool - Powerplant

Girlpool me recuerda esas bandas melódicas sesenteras con sus voces dulces (son dos chicas) tripeando un poco de ácido en buena vibra. Powerplant derrapa sensibilidad pop con matices melódicos que van desde country con noise (“Corner Store”) y destellos de shoegaze “Sleepless”. La mezcla de estilos nunca suena forzado, abre puertas sonoras que hacen de Girlpool una de las bandas a las que hay que empezar a prestar mucha atención. 


Code Orange - Forever

Code Orange con su mezcla de hardcore, sludge metal y tonos melódicos en este su segundo disco titulado Forever. Destacan las aplastantes “Spy” y “Kill The Creator”. Se notan las influencias pero eso no es malo cuando se tiene un solo fin en mente. Desmadre bien echo con riffs musculosos y ritmos caóticos. 




Roger Waters - Is This The Life We Really Want?

Un disco nuevo de estudio después de 25 años, y más si viene de una institución musical como lo es Roger Waters, merece (por lo menos algo) de atención. Waters trae a la mesa temas espinosos con melodías nostálgicas y oscuras que recuerdan aquel malogrado Final Cut de los 80’s. Ya era hora de volver a componer Mr. Waters. 




Kendrick Lamar - DAMN

Cuando sos Kendrick Lamar, la expectativa es alta. Never fear, Kendrick is here. En el fenomenal DAMN nuestro héroe regresa con su habitual temática cerebral donde las preguntas se quedan en la mente por más tiempo que las respuestas. Donde la superficialidad no tiene espacio pero eso no significa que no la podamos pasar bien. Al menos mientras no bajemos la guardia. 

15.6.17

Canción del Día: Queens of The Stone Age - "The Way You Used to Do"

Oh pero que tenemos aquí. Lo mas nuevo de QOTSA. El disco nuevo que sale en agosto se llama Villains. Elo aquí la primera rola. Delicioso ritmo para mover esos "love handles". 

9.6.17

One Way Out: "Vida, muerte y milagros de Gregg Allman y The Allman Brothers Band"

Hay diversas formas de interpretar una pieza musical. Existe la forma por aprendizaje mecánico, como colorear con números, cualquier mortal con la dedicación y el tiempo suficiente lo logra. Que lo sienta es otro tema. La segunda forma es llevarlo en la sangre, sentirlo, vivirlo, para después sacarlo. La primera es mucho más común y se puede aprender en academias o siguiendo vídeos en la red. La segunda no se puede replicar, es única de cada intérprete, es auténtica. Los que caen dentro de esta segunda categoría son a quienes los de la primera suelen intentar (fallidamente) imitar.

En esta segunda clase esta Gregg Allman junto con la banda que formo en sociedad con su hermano Duane: The Allman Brothers Band. Un colectivo que fusiono el blues, country y jazz para producir un sonido único donde el común denominador fue la pasión. Con Gregg en las teclas y voz, Duane y Dickey Betts en las guitarras, Berry Oakley en el bajo y los bateros Butch Trucks y  Jai Johanny Johanson la química fue explosiva. A inicios de los setenta ninguna otra banda cautivo los oídos de la crítica por sus monumentales presentaciones en vivo como lo hicieron los Allman’s. Esa potencia en concierto quedo documentada en uno de los discos más emblemáticos del siglo XX: At Fillmore East.


Editado después de dos discos de estudio y grabado tras una serie de conciertos en el histórico teatro, At Fillmore East es una espectacular prueba de la magia e interacción del sexteto en concierto. Donde el intercambio entre los músicos produce piezas inigualables que se convirtieron en el referente de como una banda debe transformar su propuesta del estudio al escenario. Lamentablemente la tragedia persiguió a la banda luego del éxito de At Fillmore East: Duane Allman muere en un accidente de motocicleta dejando al grupo sin su prodigio en la guitarra y a Gregg sin su hermano mayor. De las cenizas surge un cuarto disco como tributo: Eat a Peach.

Como si perseguidos por una maldición, la banda pierde a otro miembro un año después de la muerte de Duane. El bajista Berry Oakley fallece por lesiones sufridas días después de tener un accidente en motocicleta (irónicamente) a tres cuadras de distancia de donde Duane había muerto. Pero la familia sigue adelante. Nuevos miembros llegan para el disco Brothers and Sisters. Los más notables son el tecladista Chuck Leavell en el disco previamente mencionado, el guitarrista Warren Haynes en la década de los ochenta y el sobrino de Butch Trucks; Derek a finales de los noventa en el bajo. Un último (y bastante sólido) disco de estudio aparece en 2003:  Hittin The Note. La banda sigue tocando en vivo hasta su despedida formal de los escenarios en octubre de 2014. Trágicamente, Butch Trucks decide quitarse la vida en enero de 2017, el ciclo se termina con la muerte de Gregg Allman el 27 de mayo pasado. 



Durante su trayectoria la banda tuvo diversas voces con Gregg siempre al centro. Dickey Betts merece especial mención por su estilo dulce y más sureño de cantar. En contraposición el menor de los Allman’s cuyo estilo fuerte y rasposo se aprecia mejor en las canciones de blues. Con motivo de su muerte hace un par de semanas leí un titular que decía: “Pueden los blancos cantar el blues con la misma pasión?, con Gregg Allman eso nunca estuvo en duda”. No podría estar más de acuerdo. Le metía huevos y sentimiento a su forma de vocalizar tanto en canciones propias como de otros artistas (escúchese el cover de “Hootchie Coochie Man” como mejor ejemplo). Eso se agradece, se valora, se enaltece.  

Los artistas pueden morir pero su obra permanece por siempre. Los Allman Brothers Band son prueba de ello. Edificaron la iglesia del rock sureño y volaron más alto que cualquier otro. En su viaje ganaron y perdieron; cayeron y se levantaron. Adiós Gregg, espero que tu hermano haya sido el primero en recibirte cuando llegaste al siguiente plano espiritual. Gracias por la música, significo mucho para este mortal escritor. Ain’t gonna catch the Midnight Rider. (Francisco)


8.6.17

Sleep - "Sleep's Holy Mountain"

Ciertos discos aparecen y suelen hacer poca bulla. Sin embargo, el paso del tiempo les otorga un espacio en el panteón de los elegidos. Algo va hirviendo lentamente alrededor de ellos, un humo de influencia. Sleep’s Holy Mountain es ese tipo de disco. Me atrevo a re-visitarlo inclusive en este blog cuando ya lo mencionamos en una de nuestras listas haya por el 2010. Y porque no?

Editado en el verano del grunge de 1992, el segundo disco de este trio de doom stoner emana esa densidad metalosa sabbathesca con riffs altos en colesterol. “Dragonaut” es una estupenda pieza para iniciar cualquier disco.  Holy Mountain no tiene antecesor aunque sus sonidos sean sacados de influencias pasadas. Digamos que la primera parte (o lado A si se escucha en vinilo) se envuelve en melodías más metalosas. Ese sonido de la distorsión lenta y profunda, caminando como un monje en el bosque oscuro. Ese sonido de los acordes de guitarra sostenidos rebotando en su propio feedback. Ese sonido con el amplificador hasta diez. Lento, denso, pantanoso. Simplemente sabroso.   La segunda mitad no es bastante diferente pero el efecto de la hierba es más largo. La canción “Holy Mountain” y la climática “From Beyond” abren la puerta a un efecto más psicodélico sin dejar la escencia stoner de las melodías. Es decir, este es un disco que se debe oír entero siempre.


Junto con su siguiente propuesta discográfica (el fenomenal Dopesmoker que también merece una reseña propia); Sleep construyo el templo de piedra del stoner doom; Cimentado sobre las bases del metal y (porque no decirlo) del garage rock en “low fi”. Como dijimos al inicio: Elegidos.  (Francisco)

1.6.17

Canción del Día: Arcade Fire - "Everything Now"

Recién estrenado hoy. Pásele a ver lo mas fresco del día. Catch of the day. Del nuevo disco con el mismo titulo. El sexteto canadiense regresa con una rola cargada de emotividad con sabor a lo ABBA. Degusten. 

31.5.17

The Sonics - "Here Are The Sonics!!!"

Aquí están. Los arquitectos del garage rock. Los relajeros sesenteros traídos desde lo mas profundo de las calenturas adolescentes. Bueno, traídos de Tacoma Washington para ser mas exactos. Los Sonics son el tipo de banda que se pone a todo volumen. Grabados con tecnología limitada pero cuyo abandono y desenfreno compensa en creces.

El disco debut Here Are The Sonics!!! es una joya. Los gritos salvajes del vocalista Gerry Roslie en sociedad con el guitarrista Larry Parypa suenan como bombas molotov tiradas una tras otra. Abriendo con la genial “The Witch” y pasando por joyas del rock sesentero como “Do You Love Me” y “Boss Hoss”; lujuria total. El cover de la magnífica “Keep a Knockin” (original de Little Richard) suena como un tren a toda velocidad a punto de descarrilarse.  En buen francés: desvergue. Entiéndase “despelote”, “desmadre”.


Me emociona oír discos así. Más aun considerando que en 1965 este tipo de música era impensable para la radio tradicional. Estos escándalos se quedaban en las fiestas de fraternidad tipo Animal House. Los Sonics tuvieron una historia corta y no volvieron a juntarse hasta 2007. Lo más increíble es que la energía sigue siendo la misma ahora que son viejos de 70 (sino me creen vean más abajo en este blog el link de un conciertazo del 2015 que les compartí). Así que quítense los zapatos, súbanle todo el volumen al estéreo, prepárense para brincar, bailar, gritar y sudar. Sus majestades relajeras The Sonics aquí estan pa’ hacerlos gozar. (Francisco)   

30.5.17

Chris Cornell: Beyond The Superunknown

En la voz y la presencia de Chris Cornell se encuentran los astros que causan impresión en la generación que lo veneraba. Un vocalista que englobaba los elementos más puros y exactos de la fórmula: Personalidad única, voz poderosa, cierto misticismo carismático, tintes de oscuridad como si invitando a escuchar más detenidamente. Los noventa fueron (al menos por un momento) una década donde la música popular se volvió introspectiva como si queriendo llenar el vacío espiritual que bandas como Bon Jovi o Deff Leppard habían dejado con su “jock rock” pomposo y ridículo. Seattle se convirtió en la “mecca” de la música con esencia. Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden los nuevos gurus.

Con el metal rasposo de Soundgarden, Chris Cornell junto al guitarrista Kim Thayil, el bajista Ben Shepherd y el batero Matt Cameron crearon un mundo lleno de sonidos donde Sabbath encontraba la melodía sin perder su lado oscuro. Música cocinada con menjurjes sónicos de otro mundo. En medio del torbellino estaba la voz de un hombre que parecía cantar desde otro planeta. El titánico Cornell. El disco que los dio a conocer masivamente Badmotorfinger (su tercero) contenía rolas pulsantes, emocionantes. Con riffs explosivos y ritmos acelerados. “Rusty Cage”, “Outshined”, “Jesus Christ Posse”. Luego vendría el Superunknown. El disco donde la banda tocaría un nervio de la generación X. Del “Spoonman” y el “Fell On Black Days”, sin olvidar el mega éxito de “Black Hole Sun”. Soundgarden tenían algo muy especial. Encontraron el centro y lo hicieron explotar.

Fuera con la banda insigne que lo dio a conocer o sus intervenciones en Temple of The Dog y más adelante con Audioslave; Chris siempre parecía tener voz propia. Hoy el mundo lo llora por su sorpresivo deceso. Yo prefiero recordar mis épocas de secundaria oyendo cassettes y maravillándome con su estilo de cantar. Cornell hará falta, muchísima falta. Pero hoy vuela más lejos del “Superunknown” para pertenecer a la constelación de estrellas que brillaran por siempre. Guerrero de otras constelaciones, volando por el espacio donde la muerte no lo puede alcanzar. 

26.4.17

En Vivo: Dr. Feelgood - Live At Southend Kursaal

Corto pero bueno. 15 minutos de energía pura. Música de taberna. Blues y rock tocado con velocidad punk. Cortesía de esta maravillosa banda comandada por Lee Brilleaux y el guitarrista Wilco Johnson. Los incomparables Dr. Feelgood. 

18.4.17

Canción del Día: Kendrick Lamar - "DNA".

Del nuevo disco DAMN. El hijo prodigo del rap regresa. Damn Kendrick, que buena rola. 

6.4.17

Top Cinco: Discos de 1967

Clásicos que están cumpliendo medio siglo en este 2017. Discos cuya influencia solo crece con el paso del tiempo. Por diversidad de razones cambiaron el paisaje musical en aquel 67 del "verano del amor".  Escucharlos obligación de todo amante (verdadero) de la música. 



1. The Beatles - "Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band"

2. The Velvet Underground - "The Velvet Undergournd & Nico"

3. Aretha Franklin - "I Never Loved a Man The Way I Loved You"

4. Love - "Forever Changes"

                                                 5. Jimi Hendrix - "Axis Bold As Love"







Mención Honorable: Cream "Disralei Gears", Pink Floyd "Piper At The Gates of Dawn", The Who "Sell Out"


31.3.17

Cine: Chasing Trane


La estrella de John Coltrane brilla muy fuerte en el cielo musical del siglo XX. Su influencia en el Jazz, su presencia como figura espiritual y su mensaje trascendieron generaciones. Coltrane plasmo su esencia, su espíritu y en definitiva todo su ser en la exploración musical que lo llevo a cambiar en definitiva el genero musical que lo vio nacer como sidemen de Miles Davis y Thelonious Monk.

Ahora nos llega Chasing Trane. Un soberbio documental que traza la vida y milagros de este santo del saxofón. Narrado por Denzel Washington quien usa las palabras del mismo Trane. Tocando las etapas de su carrera y vida personal. Las caídas producto de adicciones hasta el encuentro con una fuerza trascendental. Del genio que paso de Blue Train a Giant Steps. llevando la pasión de su música por territorios inhóspitos. Culminando con el majestuoso A Love Supreme. Los amantes serios de la música deben ver este filme. Chasing Trane (cuyo estreno es el próximo 14 de abril) es parada esencial para entender un poquito mas la vida de este icono. 

Aquí les dejo el trailer: 

23.3.17

Chuck Berry: "Hail Hail Rock n Roll"


“Si alguna vez le cambian de nombre al Rock n Roll le deberían de poner Chuck Berry” – John Lennon

Esa afirmación por exagerada que parezca solo aplica para unos cuantos artistas. Los arquitectos del género. Aquellos que crearon el sonido, los que moldearon los primeros acordes. Little Richard, Bo Diddley, Jerry Lee Lewis, y un jovencito de St. Louis Missouri nacido Charles Edward Berry. La combinación de blues con acordes de música country tocados a una velocidad más rápida que Berry le dio al sonido de su guitarra en la década de los cincuenta son literalmente la definición de lo que el mundo llego a conocer como Rock n Roll.  Sus canciones inspiraron incontables músicos, muchos de los cuales levantaron una guitarra para aprender el estilo rockabilly que enloquecería al mundo entero. El grito adolescente, la movida juvenil. Sea que grabaron un cover o incluyeron la progresión de sus acordes en alguna de sus canciones, la influencia de este personaje se derramo por todo el panorama musical. Y todos fuimos bendecidos.

“Maybellene”, “Roll Over Beethoven”, “School Days”, “Johnny B. Goode”, “Sweet Little Sixteen”, “You Can’t Catch Me”, “30 Days”, la lista es casi interminable de canciones que fueron (y siguen siendo) referencia para lo que significa rock destilado a su más mínima y emocionante expresión. Y luego está su incalculable influencia en la forma como se toca la guitarra. Desde las bandas pioneras de los sesenta como los Stones, Beatles, The Kinks hasta los punks en los setentas pasando por Hendrix y Jimmy Page todos le deben más de algo a Chuck Berry. Si la expresión “Guitar Hero” empezó con alguien fue con este icono.


Chuck Berry murió a la tierna edad de 90 el pasado 18 de marzo. Todavía andaba dando conciertos hasta hace poco y anuncio la salida de su primer disco de estudio en 38 años titulado Chuck. Un último regalo para despedir el mundo que ayudo a moldear solo con una guitarra y la determinación de llevar un sonido nuevo a las masas. Nada fácil si se considera que en los conservadores cincuenta las divisiones raciales en Estados Unidos no se la ponían fácil a los artistas negros que estaban “revoloteando” a los nenes blancos. Revolución con unas cuantas notas. Música que nunca estará fuera de moda. (Francisco)

9.2.17

En Vivo: The Sonics - (Live at Easy Street 2015)

Jueves de 2x1 solo porque no hemos posteado nada desde hace tiempo. Todos a bailar con el garage rock "magnifique" de The Sonics. Llegar a viejo con esta energía y este sonido por amor a Dios. 

En Vivo: MC5 - Beat Club Recording Sessions 1972

Afros, distorsión y mucho sudor. Combustible para iniciar las revoluciones del 2017 pero con "blast from the past" de los míticos MC5. Kaboom.